Le immagini testimoniano i vari aspetti dell’attività legata all’attuazione delle fiere campionarie: gli eventi a cui partecipavano personaggi della politica, dell’industria, della società e del mondo della cultura (inaugurazioni, visite ufficiali, convegni e altri eventi); le architetture (padiglioni, strutture permanenti, allestimenti); i viali e le entrate durante lo svolgimento della campionaria; gli stand e i prodotti delle aziende espositrici; le fasi di preparazione, allestimento e trasporto.

Per il periodo anteguerra sono documentate anche alcune esposizioni internazionali che avevano luogo presso la Fiera: l’esposizione internazionale di fonderia; le esposizioni aeronautiche del 1935 e del 1937.

L’archivio fotografico contiene tutta la produzione di servizi effettuata dall’ente. Dei servizi commissionati, l’ente selezionava una parte delle foto che venivano stampate e andavano a costituire l’archivio “vivo” dell’ente. Le immagini non selezionate andavano a costituire un secondo raggruppamento costituto solo da negativi.

Il fondo è composto da circa 145.000 immagini in diversi supporti, tra positivi di diverso formato, negativi (lastre in vetro alla gelatina e negativi in pellicola di acetato) e diapositive.

Il catalogo dei materiali fotografici realizzati tra il 1906 e il 1946 è consultabile nel portale: fotografie del Fondo Fiera Campionaria.

(testo tratto dalla scheda Fondo a cura di Andrea Lovati, redazione per il web Alessandra Vertechy)

Caino e Abele o Libertà e diritto

Gertrude Wähner (Vienna, 1900-1979) (o Trude Schmidl-Wähner o Székély-Wähner), allieva di Paul Klee, ha fatto parte del Bauhaus.
Nelle opere della Waehner figurano soggetti biblici, evangelici, mitologici, storici, a volte liberamente interpretati o trasferiti in un contesto attualizzato, ovvero riletti alla luce di una esplicita denuncia politica e sociale.

La creazione

Primo giorno o La luce

Secondo giorno o Hyperion, Gaia e Pontos

Terzo giorno o Piante e alberi

Quarto giorno o Le stelle

Quinto giorno o Gli animali

La creazione dell’uomo o Dio scultore

Vedi anche il profilo dell’autrice in:
Österreichisches Literaturarchiv Bestände (in tedesco)
Trude Waehner – Wikipedia De (in tedesco)

Xilografia è un procedimento che consiste nell’intagliare con un coltello o un bulino una tavola di legno, asportando le parti intorno al disegno che si vuole realizzare, che risulta così in rilievo.
La tavoletta viene poi pressata mediante torchiatura sopra un foglio di carta: le parti scavate risulteranno alla stampa bianche mentre quelle in rilievo risulteranno nere o colorate dall’inchiostro.

I materiali, eterogenei dal punto di vista della tecnica e dei formati, offrono uno spaccato fedele della storia locale e costituiscono una risorsa fondamentale per la ricostruzione e la conservazione dell’identità di una zona così fortemente segnata, nel corso del Novecento, da radicali mutamenti: il passaggio da paesi rurali ad aree fortemente industrializzate, l’ingresso ufficiale nel Comune di Milano negli anni Venti, il rapido processo di urbanizzazione ed infine la ridestinazione a
polo universitario della Bovisa.

Le immagini – fotografie industriali, ritratti di figure di spicco della vita culturale locale, vedute architettoniche, reportage di manifestazioni pubbliche e operaie, ecc. – sono state raccolte a partire dagli anni cinquanta da Aldo Bartoli a fini di studio e sono ora a disposizione di
studenti e ricercatori.

Consulta il catalogo delle fotografie del Fondo fotografico Zona 9.

Shusei, Pescatore, metà sec. XIX
Statuetta, in avorio alta 30 cm, raffigurante un pescatore in piedi su una lingua di rocce su cui è posata la rete da pesca. Di elevatissima qualità scultorea si può datare alla metà del XIX secolo, durante il regno dell’imperatore Meiji (1868-1912). Il personaggio ha una borsa, appesa alla cintura, con netsuke.

L’inizio della diffusione dei netsuke in Giappone risale al XVII secolo insieme a contenitori di tabacco da fumo, monete, medicine, profumi che venivano legati alla cintura, sebbene le loro origini vadano individuate in Cina in epoche anteriori – come strumento per legare alla cintura il proprio sigillo personale –.
Gli abiti tradizionali giapponesi (kimono) non sono infatti dotati di tasche; era per ciò in uso di appendere alla cintura di seta (obi) dei contenitori (inro) legati con un cordoncino (himo) stretto da un anello (ojime) e sostenuto appunto, per evitare che scivolasse via, da un fermaglio, chiamato netsuke.

Leone buddista (shishi), sec. XVIII
La sua antichità è testimoniata dall’intaglio secco e vivace e dalla scelta del basamento triangolare che richiama i sigilli. La scelta dell’animale fantastico rimanda al significato apotropaico dei netsuke oggetto a strettissimo contatto con le persona che lo sceglieva e che spesso ne sfregava la superficie.

A partire dalla seconda metà del Settecento, i netsuke si trasformano in sculture tridimensionali figurate, in vere e proprie opere d’arte e, dopo l’adozione in Giappone degli abiti occidentali, persa la loro funzione, i netsuke continuano a essere prodotti come oggetti artistici per il mercato collezionistico.
Con la partecipazione del Giappone alle Esposizioni Universali di Parigi nel 1867 e di Vienna nel 1873, le arti e i manufatti giapponesi diventano di moda in occidente, e i netsuke iniziano a ricevere grande attenzione e interesse anche da parte dei collezionisti europei e americani.

Olandese con bambino in braccio, sec. XVIII
L’abbigliamento e i caratteri fisiognomici occidentali testimoniano la travagliata presenza in Giappone degli europei iniziata, verso la metà del XVI secolo, con l’arrivo dei portoghesi, degli spagnoli e degli olandesi. Il governo giapponese si dimostrò tollerante con gli stranieri per alcuni decenni, fino a quando, per timore dell’invadenza del cristianesimo, i cristiani furono tutti espulsi. Fu consentito solo agli olandesi protestanti di risiedere presso Nagasaki, per svolgere i propri traffici commerciali.

Pietà, secc. XVI-XVII
Dotato di fori sul retro che lo trasformano in netsuke. Potrebbe essere stato usato come netsuke solo nei primi decenni del XVII secolo. In seguito le dure leggi contro il cristianesimo, emanate dal governo giapponese, proibirono l’esposizione e il possesso di simboli della religione cattolica.

Gli studi più recenti hanno permesso di risalire alle fonti iconografiche dei soggetti più diffusi, rintracciabili tra le incisioni e in repertori utilizzati dagli stessi artigiani.
Sono raffigurati storie, miti e leggende, divinità della tradizione dell’estremo oriente, animali dello zodiaco, micropaesaggi spesso raccolti all’interno delle valve di un mollusco, aspetti della vita quotidiana del popolo giapponese quali oggetti e attività ludiche.

Immortale taoista con scimmia (sennin), sec. XVIII
Raffigurato secondo i canoni più usuali della iconografia di derivazione cinese.

Personaggio fantastico (Tenaga), sec XIX

Divinità dell’estremo oriente (Daruma), sec. XIX

Komin, Shojo, metà sec. XIX
Personaggio mascherato del Teatro No: pezzo notevole per la laccatura policroma.

Paesaggio all’interno di una conchiglia, sec. XIX

Tigre su bambù, secc. XVIII-XIX
Animali dello zodiaco. Gli artisti giapponesi raffiguravano la tigre basandosi prevalentemente su dipinti cinesi o loro copie realizzate in Giappone; in molti casi quindi le immagini dell’animale risultano caricaturali e poco realistiche.

La collezione di netsuke di Giacinto Ubaldo Lanfranchi, legata per testamento al Museo Poldi Pezzoli nel 2005 dalla vedova Maria Taglietti, è composta da oltre 415 oggetti caratterizzati da un’incredibile varietà di temi. La raccolta è stata probabilmente iniziata per affinità di materiali e funzioni d’uso di queste antiche sculture giapponesi con i bottoni in “avorio vegetale” prodotti dalla fabbrica di famiglia. La fabbrica Lanfranchi – fondata nella seconda metà del XIX secolo a Palazzolo sull’Oglio – inizialmente produceva infatti bottoni in corozo (semi di palme dell’America del sud, di colore bianco e molto compatti, detti anche “avorio vegetale”).
Il Lanfranchi si è dedicato per tutta la vita oltre che alla cura dell’azienda di famiglia, ad interessi umanistici e storici, al collezionismo di libri antichi e di antiche carte geografiche, donati poi alla Biblioteca di Palazzolo sull’Oglio.

Cachi, sec. XIX

Emilio Longoni, Capinere, 1884, olio su tela

Le Raccolte d’Arte dell’Ospedale Maggiore di Milano costituiscono un esempio significativo della rilevanza culturale e delle caratteristiche di formazione delle collezioni ospedaliere.
Sono infatti composte da dipinti, sculture, arredi, vasi di farmacia, suppellettili ecclesiastiche e paramenti liturgici commissionati, acquistati o pervenuti attraverso lasciti e donazioni, dal 1456 anno di fondazione dell’Ospedale ad oggi, per un totale di oltre 2400 beni.
Viene pubblicato il catalogo aggiornato delle Raccolte d’Arte realizzato dalla Fondazione IRCCS Ca’ Granda Ospedale Maggiore Policlinico, con proprie risorse, già a partire dal 2001.

Tra i dipinti si segnala la presenza dei principali artisti operanti non solo in Lombardia dal XV secolo in poi: Alessandro Bonvicino detto il Moretto, Tintoretto, Bernardo Strozzi, Carlo Francesco e Giuseppe Nuvolone, Giacomo Ceruti detto il Pitocchetto, Anton Francesco Biondi, Francesco Hayez, Giuseppe Molteni, Domenico e Gerolamo Induno, Cesare Tallone, Giovanni Segantini, Emilio Longoni, Gaetano Previati, Angelo Morbelli, Mario Sironi, Raffaele De Grada, Massimo Campigli, Emilio Tadini.

Ferdinand Jacob Voet, Ritratto di Luigi Parravicini, 1650, olio su tela

Salomon Adler, Ritratto di Giovanni Antonio Moneta 1677, olio su tela

Il tema iconografico più ricorrente è quello del ritratto a mezza figura o a figura intera, ambientato o in esterno.
Sono effigiati, spesso con grande attenzione fisionomica, i benefattori e le benefattrici che nel corso del tempo hanno lasciato all’Ospedale i propri beni in segno di riconoscenza.
Questa galleria di personalità, classi sociali, vicende umane e professionali consente un viaggio fra contesti storici, trasformazioni urbanistiche, stili e arredi, costumi e mode degli ultimi cinque secoli.

Carlo Picozzi, Ritratto di Giovanni Valtorta, 1849, olio su tela.
In questo dipinto è raffigurato l’ex droghiere Valtorta generoso benefattore dell’Ospedale in un’elegante redingote davanti ad un’edicola votiva. Alle sue spalle la scena del trasporto di un malato. Sullo sfondo si intravede la sagoma del Duomo di Milano.

Carlo Carrà, Ritratto di Giovanni Ballerio, 1928, olio su tela.
Il dottor Giovanni Ballerio (Firenze, 1988 – Gorizia, 1917) si laurea in medicina presso l’Università di Pavia nel 1914 ed entra all’Ospedale Maggiore come medico chirurgo supplente. Muore eroicamente mentre si trova come tenente medico sul fronte di Gorizia. Il quadro è realizzato utilizzando una fotografia del Ballerio che lo ritrae in un momento di riposo al fronte. Il dipinto è uno dei rarissimi ritratti eseguiti da Carrà su commissione.

Emilio Magistretti, Ritratto di Antonio Valerio, 1900, olio su tela.
Il ritratto è ambientato all’interno del Duomo di Milano per evidenziare la religiosità del notaio raffigurato.

Leonardo Bazzaro, Ritratto di Teresa e Maria Ceriani, 1907, olio su tela.
Ritratto commemorativo di due sorelle eseguito utilizzando l’espediente del ‘quadro nel quadro’.

I dipinti, spesso commissionati ad artisti esplicitamente indicati nelle disposizioni testamentarie del benefattore, erano sottoposti all’approvazione della Commissione Artistica e al Consiglio dell’Ospedale che potevano anche respingerli.

Umberto Lilloni, Ritratti di Sofia Gervasini, 1931, olio su tela.
Il primo dipinto, ricavato da una fotografia della benefattrice scattata durante una vacanza in Liguria, è rifiutato dagli eredi e dal Consiglio Ospedaliero che lo giudica non adeguato alla linea artistica della raccolta dell’Istituto. Viene subito commissionato un secondo ritratto all’artista che lo esegue ispirandosi alla stessa fotografia.

I ritratti dei benefattori più generosi erano esposti durante la Festa del Perdono che si teneva annualmente il 25 marzo, giorno dell’Annunciazione, in cui veniva concessa l’indulgenza plenaria a chi faceva visita alla Cappella dell’Ospedale e venivano raccolti i fondi per la costruzione e l’ampliamento dei padiglioni.

Angelo Inganni, Ritratto di Giuseppe Colli, 1863, olio su tela.
Il dipinto ritrae la stesura del testamento da parte del benefattore. Nel dipinto appeso alla parete è rappresentata la Festa del Perdono con l’esposizione dei ritratti sotto il portico dell’Ospedale.

Tra il XIX e il XX secolo, i ritratti raffigurano frequentemente la borghesia urbana, imprenditoriale e finanziaria e costituiscono un’interessante testimonianza di quanto la storia dell’Ospedale sia strettamente legata alla storia cittadina e lombarda.

Leonardo Dudreville. Ritratto di Davide Campari, 1937, olio su tela.
Davide Campari specializzato in tecnica della liquoreria a Bordeaux e in tecnica amministrativa a Parigi succede al padre nella direzione della società produttrice del Bitter Campari. Nel 1905 fonda un grande stabilimento a Sesto S. Giovanni, un celebre negozio con ristorante in Galleria a Milano, filiali a Parigi, Lugano e rappresentanze in Brasile, in Argentina e negli Stati Uniti.

Felice Casorati, Ritratto di Carlo Sacco e Carolina Cerutti, 1927-1928.
Carlo Sacco facoltoso commerciante di filari di cotone e la moglie Carolina Cerutti (Biella, 1847 – Milano, 1914) sua collaboratrice nella gestione della Ditta Lombardini e Sacco sono raffigurati davanti a una finestra oltre la quale si scorge il portico dell’Ospedale Maggiore. Il carattere, la posa e l’abbigliamento delle figure riprende una fotografia esistente dei due coniugi.

Si segnala un nucleo omogeneo di dipinti realizzato da Giuseppe Palanti (1881-1946), artista eclettico, allievo, presso la Scuola di pittura dell’Accademia di Brera, di Tallone, Mentessi, Bignami e Pogliaghi. Palanti si occupa anche di arti decorative (disegni per stoffe, ceramiche, vetrate, ferri battuti, oggetti in metallo, mobili), e di grafica (cartelloni e copertine di libri), e realizza figurini e scenografie per il Teatro alla Scala. Negli anni ’10 realizza, come architetto e urbanista, la “città-giardino” Milano Marittima.

Giuseppe Palanti, Ritratto di Dante Tomasini, 1942, olio su tela

Giuseppe Palanti, Ritratto di Graziosa Torriani Tomasini, 1942, olio su tela

I dipinti vengono donati all’Ospedale Maggiore direttamente dai coniugi Tomasini. Il ritratto maschile è eseguito dal vivo, con una ambientazione molto semplice, concentrato sulla realtà psicologica e sociale del personaggio. In quello femminile nella posa teatrale viene descritta la morbidezza della pelliccia e dei tessuti.

Giuseppe Palanti, Ritratto di Amilcare Beretta, 1943, olio su tela.
Il benefattore sceglie Palanti, suo conoscente, per l’esecuzione del proprio ritratto. L’interpretazione del personaggio si ispira all’iconografia di Mussolini.

Tra il 1936 e il 1943 Achille Alberti (1860-1943) scultore milanese formatosi all’Accademia di Brera dona all’Ospedale Maggiore di Milano la sua raccolta di oltre 60 sculture – statue, busti e qualche gruppo scultoreo realizzati in bronzo, marmo e gesso – già presentate, con un buon riscontro di critica e di pubblico, tra la fine dell’Ottocento e i primi del Novecento in mostre e esposizioni in Italia e all’estero.
I nuclei più omogenei a livello iconografico sono costituiti dalla serie di allegorie e personificazioni e da busti e ritratti femminili di grande suggestione.

Figura femminile entro tempietto.

Essere mostruoso con corpo di pesce e testa di grifo.

Tra gli esemplari catalogati nel portale Lombardia Beni Culturali si è scelto un campione di terrecotte di ambito magno-greco. Le tecniche rappresentate sono quelle della argilla a stampo e della argilla depurata a matrice. Si tratta di oggetti dalle misure modeste, tra i dieci e i venti centimetri, e di datazione piuttosto ampia: tra la metà del VI e il III secolo avanti Cristo. Sono conservati presso le Civiche Raccolte Archeologiche e Numismatiche di Milano, che ha provveduto anche alle descrizioni catalografiche.

Athena Lindia. Statuetta femminile raffigurante la dea in trono, senza braccia; la dea indossa un alto polos cilindrico liscio e una tunica lunga, liscia, a scollo diritto; sfoggia un pettorale composto di un unico filo con tre pendenti, due sferici e uno piriforme, fissato alle spalle mediante due grosse fibule circolari. Il volto è ovale, con naso grosso e occhi sporgenti; i capelli sono disposti sulla fronte in un rotolo rigonfio, ai lati cadono lunghi sulla schiena.

Testina maschile imberbe di banchettante. Ha il capo cinto da una benda e da una stephane a cercine, decorata con una rosetta sul lato destro; la capigliatura è resa con piccole ciocche filiformi, divise al centro della fronte e arrotolate sotto la benda davanti alle orecchie. Il volto è un ovale massiccio, con occhi allungati a palpebre tubolari, naso grosso e labbra carnose chiuse.

Figura femminile stante. Indossa un lungo chitone senza maniche, con lungo apoptygma; la gamba destra tesa è avanzata, la sinistra arretrata. Le braccia sono portate in avanti. È dotata di collo taurino e tratti del viso grossolani; i capelli sono raccolti in uno chignon.

Nascita di Afrodite. La dea è inginocchiata, alle sue spalle si apre una grande conchiglia. La testa, leggermente inclinata a destra, è incoronata una stephane di foglie e sormontata da un copricapo apicato. La statuetta è collocata su base modanata circolare.

L’esempio che qui si presenta è la natura morta nelle raccolte di opere e oggetti d’arte della Villa Della Porta Bozzolo di Casalzuigno. La natura morta è la pittura di oggetti, fiori, frutta, vivande, selvaggina; essa rappresenta, dal punto di vista storico, un genere del realismo nelle arti figurative. Le opere scelte per questa presentazione sono di ambito lombardo e databili tra la fine del XVII e il XVIII secolo.

Natura morta con lepre e uccello

Natura morta con oca

Natura morta

Natura morta di verdura e frutta

Natura morta con frutta e fiori

Natura morta

Natura morta

Nella pittura europea la natura morta si afferma a cominciare dal ‘400, attraverso la diffusione della cultura pittorica fiamminga. Ma è solo a cavallo di XVI e XVII secolo che la natura morta si impone davvero come genere autonomo, con il contributo fondamentale del Caravaggio e quindi dagli artisti olandesi.

Alla fine dell’Ottocento, il francese Cézanne inaugura una nuova interpretazione del tema della natura morta, libera dalla esatta rappresentazione delle cose e incentrata sui problemi di forma e colore, movimento e composizione. Al genere della natura morta rimangono fedeli anche celebri autori del Novecento come Giorgio Morandi.

Per ripercorrere l’evoluzione della natura morta provate a digitare “natura morta” nel campo “titolo” della sezione Opere e oggetti d’arte, e a cliccare “cerca”.

Vedi anche il sito web della Villa della Porta Bozzolo – Beni del FAI.

Introduzione:

• Regione Lombardia
  Enzo Minervini, Descrivere un’immagine: la soggettazione della fotografia. Proposte
  scarica PDF (2.4 MB)

Agenzie e archivi con finalità commerciali e d’informazione:

• Fondazione Corriere della Sera, Milano (MI)
  Francesca Tramma, Cronaca e immagine negli archivi fotografici di RCS Media Group: esperienze di catalogazione
  scarica PDF – presentazione (2.3 MB)
  scarica PDF – testo (131.9 KB)

• Alinari 24 ORE, Firenze (FI)
  Rita Scartoni, La soggettazione negli Archivi Alinari: esperienze e metodologia
  scarica PDF (10 MB)

Archivi partecipanti al SIRBeC:

• Museo di Fotografia Contemporanea, Cinisello Balsamo (MI)
  Arianna Bianchi, Paesaggio, territorio e architettura: il caso di Archivio dello Spazio
  scarica PDF (5 MB)

• Biblioteca Mediateca Gino Baratta, Mantova (MN)
  Francesca Paoletti, Storia locale: Acquanegra sul Chiese nelle fotografie del Fondo Gianni Bosio
  scarica PDF (4.8 MB)

• Fondazione Arnoldo e Alberto Mondadori, Milano (MI)
  Gianluca Perondi, Ritratto e cronaca in un archivio personale: il Fondo Bottai
  scarica PDF (2.1 MB)

• Centro per la Cultura d’Impresa, Milano (MI)
  Maria Chiara Corazza, Laura Casone, Fotografia industriale: il Fondo Edison
  scarica PDF (7.4 MB)

• Archivio del Lavoro, Sesto San Giovanni (MI)
  Maddalena Cerletti, Cronaca e lotte operaie in un archivio sindacale: il fondo fotografico Silvestre Loconsolo
  scarica PDF (1.7 MB)

• Università degli Studi di Milano-Bicocca, Milano (MI)
  Marina Gnocchi, La fotografia scientifica nei fondi del Museo di Storia Naturale di Milano
  scarica PDF (3.1 MB)

• Fondazione Cineteca Italiana, Milano (MI)
  Roberto della Torre, Marcello Parisi, La foto di scena cinematografica nei fondi fotografici della Cineteca Italiana
  scarica PDF (799.8 KB)

Vedi anche il programma dell’incontro.

(sec. XII, seconda metà; rame dorato e ferro inciso a bulino; altezza 27,5 cm)
Croce astile ritrovata nel 1957 in una nicchia murata della chiesa parrocchiale di San Bartolomeo in Bema. La croce richiama esempi già attestati nel X secolo in Germania e molto diffusi tra XI e XII secolo anche in Lombardia.

(sec. XVI; lamina sbalzata di argento cesellato a bulino; altezza 116 cm)
Croce astile proveniente dalla chiesa parrocchiale di San Martino in Castione Andevenno. Questa croce possiede il carattere fondamentale dell’arte lombarda tra la fine del Quattrocento e l’inizio del Cinquecento: la cura minuziosa dell’ornamentazione.

(sec. XVI; lamina di rame dorato; altezza 73 cm)
Croce astile proveniente dalla chiesa parrocchiale di Sant’Omobono in Carona, frazione di Teglio. La croce, per analisi stilistica, è attribuita all’orafo Giovanni Pietro Lierni e ricorda, quantunque assai più semplice e meno ricca di ornati, altri esempi della diocesi comasca.

(sec. XVIII; ottone argentato e dorato; altezza 125 cm)
Croce astile proveniente anch’essa dalla chiesa parrocchiale di Sant’Omobono in Carona.

Le croci del Museo di Sondrio, di provenienza e proprietà ecclesiastica, fanno parte del Museo Diocesano di Arte Sacra di Como, sezione di Sondrio.

Simbologia
La croce è il simbolo più importante per i cristiani, ed è ancora oggi comprensibile a tutti. Le croci con le braccia orizzontali più corte, come quelle qui illustrate, si dicono croci latine. Croce astile è la croce collocata su un’asta, presente fin dall’alto medioevo accanto all’altare. La croce viene onorata con l’inchino e l’incenso, nel Venerdì Santo con la genuflessione e il bacio; viene ornata con rami di ulivo nella domenica delle Palme.

Nei riti che prevedono la processione, la croce astile è portata da un chierico, che la regge diritta e ferma davanti alla propria persona, sollevata da terra. L’immagine del Crocifisso è rivolta verso il sacerdote che presiede il corteo, che la segue preceduto dai diaconi o dal popolo. La croce processionale è accompagnata, all’occorrenza, da candelieri accesi.

Maria Hadfield (1760-1838), moglie del pittore Richard Cosway, fu una delle figure femminili più affascinanti della sua epoca: pittrice a sua volta, cantante e musicista, educatrice.
Fondò a Lodi nel 1812 il Collegio della Beata Vergine delle Grazie, destinato all’educazione e all’istruzione delle fanciulle della nobiltà e dell’alta borghesia lombarda.

Valentine Green (1739-1813), Ritratto di Maria Cosway (1801 ca.)

Le schede della Fondazione Cosway catalogate in Lombardia Beni Culturali offrono un’ampia possibilità di ricerca. Da un album scolastico dei primi anni dell’Ottocento “PRINCIPES RAISONNES / DU PAYSAGE, / A L’USAGE DES ECOLES DES DEPARTEMENS / DE L’EMPIRE FRANCAIS, / DESSINES D’APRES NATURE” sono ad esempio tratti alcuni raffinati alberi, disegnati da Gabriel Georges François Defiennes e incisi da diversi artisti tra cui Alphonse Léon Noel, Thérèse Eléonore Lingée, Philippe Lefèvre, Jacques Firmin Aze, Antoine Maxime Monsaldy.

Litografie

Bouleau

Hètre

Peuplier d’Italie

Vernici molli

Chataignier

Jeune Pino

Marronnier d’Inde

Noyer

Saule pleureur

Litografia
È un metodo di stampa piana che utilizza una pietra calcarea assai compatta, detta appunto “litografica”. La pietra viene trattata con una soluzione di gomma arabica e acido nitrico molto diluito: le zone rimaste libere dal disegno, precedentemente effettuato con una matita grassa, diventano repellenti ai grassi e ricettive all’acqua. La pietra viene quindi bagnata e inchiostrata a rullo: l’inchiostro si fissa sulla superficie esatta del disegno, trattenuto dalla matita grassa, mentre le zone bagnate rifiutano l’inchiostrazione.

Vernice molle
Si tratta di una variante della tecnica dell’acquaforte, nella quale, invece di ricoprire la lastra di metallo con una vernice normale, si stende su di essa per mezzo di un pennello o di un rullo, a calore moderato, un impasto composto di vernice e sego. Questa tecnica è detta anche maniera matita o maniera pastello, poiché permette di predisporre una lastra in modo che dia nella stampa su carta un’immagine simile a quella che si ottiene disegnando.

Vedi anche il sito web della Fondazione Maria Cosway.